Dan Perjovschi est un artiste contemporain en provenance de Roumanie, né en 1961 à Sibiu. Il est actuellement l’un des artistes contemporains les plus connus de Roumanie. Il s’agit d’un caricaturiste, illustrateur, écrivain, journaliste et auteur de performances. Ses oeuvres d’art sont une combinaison de dessins, caricatures, graffitis et sont représentés directement sur les murs des musées et autres espaces d’art contemporains.

      Perjovschi traite des questions sociales, politiques et culturelles actuelles dans ses dessins et il a eu un rôle important dans la culture roumaine. En meme temps, il est aussi l’illustrateur et auteur de nombreux articles pour le magazine culturel ”22” à Bucarest. Il a transformé l’environnement de conception, a l’a utilisé pour créer un objet, une performance et une installation. Dans la dernière décennie, Perjovschi a fait ses dessins spontanément dans les espaces du musées, permettant aux affaires mondiales et locales d’informer le public du résultat final.

     Dan Perjovschi a été connu après avoir ”décoré” les murs des musées européens comme à la Tate de Londres. Plusieurs de ses oeuvres sont une manifestation artistique anti-mondialisation. Par exemple, en 1999, Perjovschi a représenté la Roumanie à la Biennale d’Art à Venise, où il a couvert le sol du pavillon avec des dessins et des graffitis sur les questions politiques, dans l’ère post-communiste des pays d’Europe orientale et le rôle de l’art dans les échanges culturels avec l’Occident. Esquissé avec des marqueurs noirs, les dessins de Perjovschi disparaissent sous les pieds des visiteurs, ce qui est une claire allusion à l’érosion de l’identité est-européenne. Il a participé à la Biennale d’Art de Venise en 2007 et à la Xe Biennale d’Art de Lyon ”Le spectacle du quotidien”. La critique Emmanuelle Lequeux nous dit que Perjovschi reste attaché à son pays: ”A Bucarest, où il vit et travaille, il note les tressaillements de la planète et la mondialisation en cours.” ”La tristesse esthétique”, ”l’ironie mortelle, le discours binaire” avec une logique antagoniste ( noir/blanc, pauvres/riches, pays occidentaux/pays en développement ). Le contraste entre les conceptions des apparences ”enfantines” délibérément ”naïves” et une ”profondeur incontestable” seraient les caractéristiques dominantes du style de Dan Perjovschi.

 Il se concentre sur les enjeux et les événements liés à la mondialisation, la société de consommation, les institutions (art), la guerre, le réchauffement climatique, les arts médiatiques, tout en ayant une attitude fondée sur l’humour, encourageant le spectateur à méditer un instant sur un aspect de la réalité. Toutefois il les reproduit en utilisant la craie. Il a présenté des expositions à New York, au Portugal, en France, en Italie, au Royaume-Uni, en Espagne, en Allemagne, en Hongrie, en Suède, en Suisse, mais actuellement, il vit et travaille à Bucarest.

 Pour plus d’informations, voici le site officiel, ou faites une recherche Google !

 http://www.perjovschi.ro/

Diana Roxana OSAN, étudiante roumaine, 3° année art

Les retrouvailles par hasard avec le travail d’AGNÈS VARDA m’ont fait revoir mon rêve et ma passion pour l’avenir.
 
A Paris en 2006, il y a eu une exposition de la réalisatrice AGNÈS VARDA sur le thème de L’ILE ET ELLE à la FONDATION CARTIER. Je me suis souvenue que cet été-là il faisait très chaud et de m’être sentie isolée. J’ai commencé la première année à l’école d’art dans l’espoir de déployer mon rêve à l’étranger. Je me suis mise à naviguer sur une mer nommée ART sans avoir peur. C’était un moment chaud, avec la force de l’idée profonde et la création, je me suis sentie traverser les hautes vagues. Mon premier pas n’étais pas facile. En naviguant sans en connaître la fin, j’étais remplie de peur et de la perte de confiance en moi. AGNÈS VARDA, son exposition m’a donné une nouvelle énergie et de l’esprit.

Il y avait des objets, des séries du photos et des vidéos… L’installation des objets quotidiens avec une couleur crue, une vidéo de la tombe d’un chien décorée avec des coquillages et des fleurs et une musique amusante en fond sonore. J’ai été intéressé par son humour sur la vie quotidienne. J’avais une nouvelle passion pour mon travail grâce à sa vision profonde mais son expression légère et son sentiment du comique.

J’ai trouvé par hasard ses oeuvres de L’ILE ET ELLE à la Sucrière. Quelle chance!! Pour les étudiant en art, il n’y a peut-être pas de plus grande joie que de voir une oeuvre de leur artiste préféré.
 
Malheureusement, à la Biennale de Lyon, il n’y avait que deux de ses oeuvres présentées. J’étais un peu déçue de trouver seulement deux installations. Et j’ai trouvé que l’ambiance dans l’espace était en désordre à cause du mélange avec des installations d’autres artistes. Quelle que soit la présentation de son travail, cette année, pas si calme qu’avant, revoir son oeuvre était comme une bouffée d’air pur pour moi qui voyage sur une mer d’ART depuis 5 ans.

Hee-Yeon KIM, étudiante coréenne, 5° année art

En étant étudiante Erasmus j’ai réussi à visiter la petite ville de Firminy. Et je me suis familiarisée avec la pensée architecturale et la compréhension du temps de Le Corbusier.

Ma plus grande impression a été la quantité de matériaux en béton-traitants et l’impression d’ensemble de l’architecte dans la vie de l’homme.

Le Corbusier, de son vrai nom Charles Edouard Jeanneret-Gris, est né en 1887 dans une famille d’horlogers suisses. À l’école locale, il a étudié les arts décoratifs et les arts appliqués. Alors qu’il est initialement axé sur la profession de sa famille, la fascination pour l’architecture remporte son adhésion.

Il est un des architectes les plus magnifiques du XX° siècle, il n’a reçu aucune formation professionnelle. Ses «universités» d’architecture ont été le voyage, les bibliothèques, les musées, une approche systématique, mais, plus important encore, une communication créative avec les plus grands maîtres de l’époque.

Dans l’environnement du Corbusier, au moment où il a commencé à développer ses idées dominait le style du fonctionnalisme. C’est à dire que le principe de «la forme suit la fonction». Les pays développés créent une révolution esthétique avec des architectes, des designers et des artistes à l’avant-garde des temps modernes et ils luttent contre les traditions du passé. On constate l’abandon progressif de la ” belle apparence”. Elle a été remplacée par la forme technologique et la modernité des matériaux (verre, métal…). Le refus du décoratif vaut également pour le choix des couleurs. La polychromie est remplacée par des couleurs neutres – blanc, gris, noir et la couleur naturelle de la matière. La gamme de tons est devenue canon du fonctionnalisme. Le nouveau style géométrique est ancré dans l’esthétique de la forme d’art dominante puis du cubisme, ce qui explique aussi l’architecture et la conception de l’accent mis sur la géométrie. Le fonctionnalisme allie les forme avec leur fonction subalterne et la facilité d’utilisation, ainsi que la logique de  production.

À mon avis, Le Corbusier a été un architecte courageux. Il a créé cinq cadre pour l’architecture : “Les cinq principes fondamentaux de l’architecture”

Je pense que  l’idéologie de l’espace créé par Le Corbusier a traversé le temps et est encore aujourd’hui directement visible.

Je garde de très beaux souvenirs de ce site, de la petite ville de Firminy, de la beauté de la nature et des gens que j’ai rencontrés là-bas.

Elīna Milta, étudiante lettone, 3° année design

Plus d’informations sur le patrimoine Le Corbusier de Firminy

J’ai participé à un Workshop avec Paul Cox il y deux semaines. Paul est artiste peintre, graphiste et auteur de livres pour enfants. Le sujet de ce Workshop est « Jeu de construction ». On crée les formes qui nous intéresse et on les réalise avec du papier en 2D puis 3D.

Il y a douze participants, chacun fait deux objets. Après, on les assemble pour avoir une œuvre commune. C’est comme un jeu de Lego. Parmi les participants, il y a les étudiants des options communication et design.

Pour la réalisation, il y a deux étapes : la conception et la mise en forme. Dans la première, on utilise deux logiciel très importants: Google Sketch up et Pepakura. On utilise Sketch up pour faire le volume en 3D sur l’ordinateur. Puis on emploie Pepakura pour analyser comment on réalise ce volume sur papier. Pepakura est un logiciel japonais. Je pense qu’il est extraordinaire. Par exemple, il est difficile de faire un ballon avec du papier. Mais avec lui, on peut y arriver parce qu’il calcule les courbes nécessaires, même les plus compliquées. En revanche, il ne fonctionne pas très bien avec des volumes simples qu’il a été plus aisé de fabriquer moi-même. Par contre j’ai été obligée d’ utiliser Illustrator, ce qui a été fastidieux car je ne l’avais jamais employé. Mais finalement, j’ai appris à le maîtriser

 Les camarades qui avaient terminé leurs objets ont commencé à créer l’emballage pour notre projet commun. Après avoir fini sur l’ ordinateur, on imprime en grand format 102 cm sur 77 cm.. Pour cette étape, on travaille dans la salle de sérigraphie. On fait d’abord le calque de chaque image (on imprime l’image en noir et blanc sur une feuille demi-transparente, c’est la préparation pour le flashage). Ensuite, on concrétise (On met le calque sur la machine, on installe un cadre. L’image doit être bien centrée. Puis, on allume la machine, le flash va fixer l’image sur le cadre.). Après le lavage du cadre, on peut imprimer l’ image en grand format avec le cadre, enfin on peut développer à l’infini. Hélas, nous n’avons eu que peu de temps donc les couleurs sont monochromes. Après l’impression, vient le découpage pour la réalisation du volume puis l’assemblage et enfin l’objet naît et c’est magnifique.

J’apprécie beaucoup ce travail collectif. Chacun a son style mais l’union avec les autres est assez simple. Je suis ravie d’avoir eu la chance de travailler avec Paul Cox. Je le trouve très pro. Il est attentif, créatif, patient. Il nous écoute et nous donne beaucoup de conseils très judicieux. Mais toujours dans la bonne humeur et avec le plus grand plaisir. En conclusion, je trouve que notre travail est EXCELLENT et que l’équipe est EXCELLENTE.

Ting ting ZHANG, étudiante chinoise, 2° année

Le blog de Paul Cox : http://www.paulcox.centrepompidou.fr/

Bruno Munari (Milan, 24 octobre 1907. Milan, 30 septembre 1998)  est un des grands protagonistes de l’art, du design et du graphisme du XX siècle, il a donné des apports fondamentaux dans différents champs de l’expression visuelle (peinture, sculpture, cinéma, dessin industriel, graphisme) et textuel (écriture, poésie, didactique) avec une recherche polyphorme sur le thème du mouvement, de la lumière et du développement de la créativité et l’imagination des jeunes à travers le jeu.

“(…) dans la réalité, tout ceux qui ont la même ouverture visuelle et qui voient le monde de la même façon, n’ont pas d’observations différentes devant être communiquées.

C’est seulement celui qui a une ouverture visuelle différente qui voit le monde dans une autre direction et qui peut donner à son prochain une telle information pour élargir son champ visuel. Mélangez les ébauches et changez de couleurs d’yeux, habituons-nous à regarder le monde avec les yeux des autres.”

Munari  a été grand professeur du voir. Professeur, pas seulement pour la haute qualité de son savoir-faire, mais vraiment, dans le sens littéral, pour son désir – dans une direction simple, généreuse et par un programme complexe – d’enseigner à découvrir les dimensions sans fin du visuel.

” La fantaisie, l’invention et la créativité pensent, l’imagination voit.”

Avec les jeux et livres pour enfants, Munari est entré dans les chambrettes et dans les classes de nombreux pays du monde. L’artiste a rendu disponible et fourni le matériel et des suggestions visuelles pour créer selon sa propre capacité, parce que les enfants étaient capable d’agir, en débloquant sa propre curiosité dans un jeu non-dirigé, qui suggère tout à travers les images et les démonstrations pratiques.

“Conserver la jeunesse en chacun de nous pour la vie entière, cela veut dire conserver la curiosité du savoir, le plaisir de comprendre, le désir de communiquer “

Eva FALLENI, étudiante italienne, 3° année design et communication

© Caroline Chevalier

A mon avis, “Lyon septembre de la photographie, identité ‘08″ est un miroir qui reflète une image globale sur la vie des Européens. Il nous montre une situation de notre vie contemporaine ainsi que beaucoup de problèmes sociaux de la vie quotidienne.

Aussi, une question se pose à nous même. Nous sommes des humains, la différence avec les animaux, c’est qu’on a une vie sociale. Peut-être peut-on s’appeler nous même des animaux sociaux. Les artistes sont une catégorie de personnes qui ont une réflexion plus avancée. Ils sentent, ils touchent, ils regardent etc. Ils font leur boulot pour les montrer aux autres, et espérer que les autres se réveillent aussi un jour.

Et les biennales, les festivals…sont un théâtre pour ces grandes avancées. Grâce à toutes ces expos, l’artiste nous montre ses propre sentiments, ses propre discours, ses propre pensées!

C’est pour ça que je vous présente ce festival à Lyon. Allez voir!! Ca vous ouvre une fenêtre sur le monde entier! Pour en savoir plus, allez voir le site http://www.photographie.com/?evtid=116291&secid=2

Bin YU, étudiant chinois, 5° année art

© Aurélia Frey

© Carole Liogier

© Olivier Metzger