Au fin du XIX siècle, Louis Daguerre pratiquait des jeux avec une Chambre Obscure et il l’appelé ‘Daguerrotype’ ; un peu plus tard son jeu s’est appelé photographie, quand la technique a été perfectionnée. (Photographie en grecque : photo – lumière ; graphein – dessiner). 

Les premiers essais recueillaient la vie et le monde en blanc et noir, mais en 1935 est  apparue la photo en couleur. Ainsi, les films photographiques ont été plus accessibles pour les gens et plus faciles à utiliser : actuellement la photographie numérique est l’outil le plus utilisé, comme les appareils photo, les portables avec appareil photo et les web-cam.

Quand la photo a commencé à être plus utilisée pour photographier des familles et comme une forme d’art, les gens ont cru que la photo remplacerait la peinture en tant qu’art. Toutefois, la photo a gagné sa place, jusqu’à présent et c’est une forme de art contemporaine très populaire chez les artistes et les collectionneurs.

Comme l’auteure et théoricienne Susan Sontag l’a dit, une image est recueillie pour rappeler un moment, une personne ou pour avoir des preuves ; la photo est très populaire parce que c’est un médium plus facile a utiliser. (Susan Sontag « Sur la photographie », ici elle parle plus de l’utilisation de la photo actuellement).

Un peu plus de 100 ans plus tard, la photo fait réellement partie de l’art contemporain ; c’est l’expression artistique la plus vendue dans le marché de l’art, bien qu’aussi l’une  des plus reproduites sur Internet.

CINDY SHERMAN- UNTITLED FILM STILL #13

La photographie contemporaine a beaucoup de formes et peut être développée dans les domaines de la mode, l’art, le paysage, l’urbanisme et autres.

Il y a beaucoup d’artistes qui travaillent avec la photo : Cindy Sherman fait cela depuis les années 70 et ses photos sont des autoportraits sous la forme de femmes qui participent à la société : femmes frappées, symboles  sexuels et autres, elle personnifie chaque secteur de la société. Elle est très versatile : c’est la meilleur caractéristique de son travail.

Untitled #153, Cindy Sherman (1985). Via Skarstedt Gallery

Rineke Dijikstra, travaille des photos avec des portraits de personnes qui ont des changements physiques comme les adolescents, en marquant l’incommodité et l’intimité de ses corps. Dijikstra travaille aussi avec des séries, où elle retrace le processus et changement des personnes.

Rineke Dijikstra – Kolobrzeg, Poland, 1992

Même si la photo a beaucoup de popularité, il existe des artistes qui décident de l’utiliser comme ustensile pour prendre le registre des installations, performances, etc.  Et c’est l’usage le plus commun pour la photographie : enregistrement de temps, d’espaces et de moments, pour avoir des preuves et se rappeler.

Abril Sánchez Gzz., étudiante mexicaine, 4^ème  année art

Vito ACCONCI, “Kiss-Off”, 1971. Lithographie sur papier. (c) Vito Acconci.

Cette exposition de la collection du musée se trouve dans les salles au fond et elle a lieu du 11 octobre 2008 au 25 janvier 2009, en même temps que les expositions temporaires. Ca fait 3 expos en même temps, avec en plus une autre à l’étage. Je trouve que c’est intéressant de voir l’effet que ça fait quand plusieurs expos se passent dans un même endroit. Quant à moi, c’était assez difficile de trouver où ça se passe, et quand je l’ai trouvé, j’ai eu l’impression qu’ils les ont mises juste pour les mettre.

L’exposition de la collection du MAM de St-Etienne, qui s’intitule « La figure humaine », se compose de plusieurs petites salles, qui sont nommées aux coins des murs de chaque salle. La façon d’exposer m’a fait penser à l’ordre chronologique, même si je comprenais qu’ils les exposaient par thématique. Ca allait bien avec l’exposition de Gormley, c’était bien exposé, bien rangé, pour donner l’idée de « la figure humaine ». Cependant, de mon point de vue, les oeuvres ne provoquaient rien, alors que les oeuvres sont très bien (les installations de Boltansky, les tableaux de Dubuffet …). C’est pour ça que pour moi, c’est dommage d’exposer de façon très ordonnée et compréhensible. Car comme ça, on réduit un concept très riche. Malgré tout, il y avait une salle qui m’a intéressée et qui s’intitulait Le corps à l’oeuvre, avec Dennis Oppenheim, Jochen Gerz, et Vito Acconci etc. Le concept de cette salle m’a donné l’idée du corps humain sans m’en donner d’une image fixe. Surtout les oeuvres de Vito Acconci étaient superbes. J’estime que ses oeuvres sont une sorte de preuve de l’existence, c’est une performance qui reste en 2 dimensions. Ses oeuvres donnent une idée ouverte sur le corps. En haut de cet article, j’ai mis l’image de sa litho « Kiss-Off » qui est sur le site du MAM.

On considère que cette exposition de collection du musée a pour but d’élargir l’idée des oeuvres de Gormley. Même si le sujet de « la figure humaine » m’intéresse, l’expo ne m’a pas beaucoup attirée. Il y avait mes amis qui ne s’y sont pas intéressés non plus. C’était peut-être à cause des salles très petites, je ne peux pas dire exactement pourquoi. Néanmoins, je trouve que c’était une bonne occasion de réfléchir sur ce qu’est un musée, une exposition et la difficulté d’exposer des oeuvres. En conclusion, je vous conseille fortement d’aller voir cette exposition. Peut être que j’ai complètement tort, chacun a un avis différent. C’était quant même une très bonne expo parce qu’elle m’a fait souffrir pour écrire cet article !

 Mioko SANO, étudiante japonaise, 3° année art

A la Sucrière de Lyon, il y a à peu près deux mois , une étrange exposition s’est installée. A la fois dégoûtante mais si fascinante , l’exposition “A corps ouvert” ne peut pas laisser indifférente. J’ai toujours voulu faire don de mon corps à la science mais au retour de cette exposition, je n’en suis plus très sûre.
 Cependant en faisant le tour des salles remplies de corps humains et d’organes , j’ai vraiment réalisé combien notre corps est fascinant, complexe et très impressionnant. L’exposition est partagée en six parties. Chacune a sa propre salle. Ces parties comprennent les différents systèmes organiques du corps humain : le système musculo – squelettique , le système nerveux , le système uro – génital , le système respiratoire , le système digestif et le système cardio – vasculaire. Selon les différents systèmes organiques les corps sont découpés et exposés pour que le visiteur visualise bien toutes les parties du corps humain. 

 
 Mais voilà… L’exposition est présentée comme “scientifique et pédagogique”. Certes pour la médecine et la science cette exposition est tout à fait complète , et très enrichissante mais le point de vue artistique est un peu plus discutable. Si ce n’est la ’mise en scène’ des corps , le travail de l’ artiste est alors de dépecer : les cadavres sont quand  même de vrais cadavres ! On peut s’imaginer que tous les visiteurs à un moment donné durant la visite se sont interrogés sur la provenance de ces corps : peut on disposer de cadavres pour satisfaire la curiosité de tout un chacun ? Ces corps ainsi exposés ont ils été soumis  de leur vivant au fait de participer à ce projet ? 
De ce fait, en visitant l’exposition, tout l’intérêt donne place à des haut le cœur. On se rend alors compte, en observant tous ces cadavres disséqués, que ce projet est malsain. C’est une sensation très étrange : d’une part visualiser ces entrailles donne conscience de son propre intérieur mais d’autre part observer tout ces corps mis à nu me répugne. Néanmoins, l’exposition a été prolongée de deux mois à Lyon : elle a beaucoup de succès et fait couler beaucoup d’encre dans tous les pays où elle passe.

J’ai moi même été témoin à l’issue de la visite d’une réflexion faite par une personne qui disait avoir pris la décision d’arrêter de fumer après avoir visualisé un poumon sain à côté d’un poumon malade à cause de la fumée de cigarette . Si ce ’spectacle’ a des fins positives, alors elle réconcilie le projet initial de nous mettre en scène avec notre propre chair . 

Lucile CONTOPOULOS, étudiante franco-chypriote de 1ère année

Photos extraites du site internet officiel : http://www.ourbodyacorpsouvert.com/

“Field”, 1993-2001. Terre cuite. Dimensions variables : 40 000 éléments de 8 à 26 cm de hauteur chacun.

© Antony Gormley

10 octobre :  le vernissage

 Tout commence à 18 heures. Dans la grande salle d’entrée, les voix se font de plus en plus fortes. Beaucoup de personnes de tous âges sont unies par le même sentiment d’attente et une même passion… l’art.

Après une brève introduction de l’artiste, voilà que le flux pénètre à l’intérieur de l’exposition, lentement, parce que la perception demande du temps. Dans la premiere salle, dans laquelle ma silhouette contraste avec le blanc des murs, se présente la première installation : beaucoup de figures humaines de couleur noire, se limitant aux traits essentiels, chacune avec une position corporelle différente qui exprime un langage que chaque observateur peut interpréter. L’espace est ouvert et l’oeuvre est vécue activement par le public.

A peine tourné l’angle, voilà qu’on rencontre la seconde oeuvre : un labyrinthe de 300 éléments de tailles réelles, chacun rectangulaire et représentant un espace restreint d’habitation (“le corps est notre première habitation.” A. Gormley).

Sortis de ce parcours autour des blocs, on entre dans la dernière salle, vide à première vue, mais, en regardant à travers un accès visuel, on se trouve face à la troisième installation : 40 000 éléments d’argile de dimensions variables (8-26 cm) qui occupent entièrement l’espace. La forme de ces pièces rappelle celle d’une figure humaine qui t’observe d’en bas.

Le corps, c’est le point de départ  de l’oeuvre : à toi de l’observer, la traverser, la contempler ou en devenir partie intégrante !

Eva FALLENI, étudiante italienne, 3° année design et communication

“Critical Mass II”, 1995. Fonte. Dimensions variables. 60 pièces. © Antony Gormley

“Allotment II”, 1996. Béton armé. 300 pièces. © Antony Gormley.

Pour plus d’informations, n’hésitez pas à consulter le site du Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne Métropole ainsi que le site de l’artiste !